Instrumentos de viento

En nuestro portal trataremos de resolver todas las dudas relacionadas con los instrumentos más básicos de viento, su procedencia así como las partes y quiénes son los mejores músicos de cada instrumento. Clasificamos los instrumentos de viento en: viento-madera y de viento-metal. Empieza con los instrumentos que aparecen más abajo para indagar sobre ellos y su procedencia.

Lista De Los Instrumentos de Viento

Aquí tienes una lista de los instrumentos de viento más conocidos para que puedas ver de un vistazo la clasificación entera de instrumentos musicales

Definición de los instrumentos de viento

En primer lugar debemos tener en cuenta que el Instrumento de Viento tiene por definición, es cualquier instrumento musical que usa el aire como medio de vibración principal para la producir el sonido. Los instrumentos de viento producen sonido por una columna de aire vibrante, ya sea con una caña o con los labios de un músico y se encuentran calificados en dos grupos; instrumentos de viento de madera y de metal.

Son muchas conjeturas existentes sobre el origen de los instrumentos de viento y, debido a que se encuentran ampliamente diseminados sobre la faz de la Tierra, es bastante probable que el proceso de vibrar los labios contra un agujero en una rama, un hueso, un caparazón, un cuerno de animal o un colmillo pueden haberse descubierto independientemente en muchas culturas anteriores.

¿Que vas a encontrar en esta web de Instrumentos de Viento?

  • Todos los instrumentos de viento más utilizados. Incluimos varios nombres de instrumentos de viento y el nombre de los instrumentos musicales.
  • Diferentes tipos de familias de instrumentos.
  • Imágenes de instrumentos de viento, para que puedas identificar todas sus partes. En cada imagen podrás ver que aparecen distintos tipos de instrumentos musicales con nombres, cosa que consideramos importante por la complejidad y diferenciación de cada uno de los aerófonos, así como sus partes.
  • Historia general de cada instrumento de viento. ¿Qué son los instrumentos aerófonos? En algunos países vecinos también llamados como instrumentos musicales de aliento.
  • Ejemplos prácticos de cómo suena cada instrumento de viento.
  • Un apartado donde te enseñamos a dibujar diferentes tipos de instrumentos musicales de viento, son dibujos fáciles y rápidos de hacer.

Historia de los instrumentos musicales de viento

¿Qué son los instrumentos de viento?
Usualmente los instrumentos musicales de viento o también llamados instrumentos de aire o aerófonos solían ser de madera, razón ésta de su nombre, pero hoy en día son fabricados tanto de madera, como de metal, plástico o alguna combinación. Los mismos vienen siendo, básicamente, cilindros o tuberías estrechas con orificios, una abertura en el extremo inferior y una boquilla en la parte superior.

De la misma forma que en los instrumentos de cuerda, los instrumentos de viento producen tonos más altos son los más pequeños, mientras que los que tocan las notas más bajas, son los más largos y grandes. En este grupo de instrumentos podemos destacar por su tono, desde los más altos hasta los más bajos: el flautín, la flauta, el oboe, el cuerno inglés, el clarinete, el clarinete plano, el clarinete bajo, el fagot y el contrafagot.

Como verás a continuación podrás ver e identificar el instrumento de viento o también llamado instrumento de aire más grande, el bombardino.

El instrumento de aire más pequeño es la armónica.

ÁFRICA

La cultura es tan diversa como su propia gente, hablan cerca de 700 idiomas y dialectos diferentes, mucho más que en ningún otro continente. La herencia musical del continente africano incluye la contribución original de los antiguos habitantes del valle del Nilo.

En el antiguo Egipto, los instrumentos que predominaron fueron:

  • las arpas, apoyadas en el hombro, rodillas o colocadas sobre la mesa,
  • las flautas, sopladas por un extremo o lateralmente, con uno o dos tubos,
  • los silbatos de madera,
  • los tambores membrana sencilla o doble,
  • las panderetas,
  • los platillos hemisféricos de metal,
  • las castañuelas de madera.

La música del antiguo Egipto era suave, con un toque místico y dulce. Los países islámicos del norte del desierto del Sahara (Marruecos, Túnez, Argelia y Egipto) poseen tradiciones musicales relacionadas de diferentes maneras con las de Oriente Medio, mientras que la música de los países subsaharianos, donde las grandes comunidades que todavía viven de manera sencilla y tradicional, tiene un carácter más práctico. En África la música, la danza y el canto son elementos inseparables, y de hecho pocos africanos usan el término abstracto “música, sino que se refieren a canciones, bailes y poesía en su conjunto.

La música y la danza son las protagonistas de muchas ceremonias que se celebran con motivo de grandes acontecimientos como el nacimiento, el matrimonio o el funeral. De manera muy similar al folclore y a la historia africana, las tradiciones musicales se han ido conservando de manera oral, no existen los sistemas de notación o apunte. En África, la música tiene un importante papel como un medio de comunicación, gracias a los “tambores hablantes”, expresan señales y mensajes, muchas veces a larga distancia. Pero la característica más álgida de la música del África subsahariana es su insólita velocidad y la complejidad de sus estructuras polirrítmicas, muchas veces interpretadas por instrumentos de percusión existentes de la época. La fina línea que hay entre la música y la danza africanas, explica el dominio casi pleno del ritmo y la percusión.

Los grupos musicales, varían entre 2 a 20 intérpretes, siempre o casi siempre incluyen tambores, xilófonos y varillas de madera entrechocadas. Hay instrumentos de altura indefinida, como campanas y diferentes tipos de tambores y de altura definida como flautas, trompetas, xilófonos, arpas más primitivas. Manteniendo un tempo rápido, los músicos del grupo interpretan ciertos patrones rítmicos contrastantes con total independencia de las partes, lo que le atribuye a la música un destacado carácter emotivo.

La música vocal africana, se diferencia de un patrón característico denominado “pregunta y respuesta”, muy similar al de llamada y respuesta que se puede encontrar posteriormente en el espiritual afroamericano. El solista presenta una pregunta en frases cortas que son repetidas con ciertas variaciones, y el coro responde. La riqueza melódica de la música africana, que se basa por lo general en el tetracordio y en la escala pentatónica, también encuentra su origen en el canto polifónico en los intervalos paralelos, terceras, cuartas, quintas, en los efectos expresivos sobre intervalos de semitono y el portamento, y en una peculiar atención a matices muy sutiles en el color de los sonidos, a los que los vocalistas africanos son afines. También, las frecuentes interrupciones para insertar episodios hablados o recitados, son típicas del canto africano. A principios del siglo XX, cuando los europeos empezaron a abandonar el foco tradicional de la pintura y la música, se hicieron más cercanos hacia el llamado “arte primitivo” y la música africana comenzó a interesar más a cada vez más músicos y melómanos crecientes. El primer Jazz afroamericano y los préstamos directos e indirectos posteriores de modelos musicales africanos, han hecho popular la intensidad rítmica y el potencial tímbrico de los instrumentos tradicionales de África.

AMÉRICA

El continente Americano, y especialmente el subcontinente latinoamericano, es un completo conglomerado de influencias culturales indígenas e importadas. El año 1492 se considera como el "antes y el después" cronológico de la historia de la música en latinoamérica cuando Cristóbal Colón pisó por primera vez América. Así, la historia cultural del continente se divide en dos períodos importantes, el "lombino y el postcolombino", cuyo inicio empezó con la destrucción de las evolucionadas civilizaciones locales de los incas en el Perú, de los aztecas en México y de los mayas en Yucatán. La conquista española, seguida de la llegada de colonizadores de Portugal, Inglaterra y Francia, junto con la cultura de los indígenas norteamericanos y amazónicos, también las tradiciones africanas importadas, formaron la base de la “música americana”: un fenómeno único en la historia, lleno de colorido.

La famosa figura del “chamán” fue clave en la cultura de los indígenas amazónicos ya que la música constituía su principal medio de comunicación con espíritus del pasado y también del futuro, ayudándole a alcanzar un estado de trance religioso.

Vocal, era la música de los indígenas norteamericanos, y se creía que las canciones "se descubrían", en lugar de considerarlas como composiciones fruto de la voluntad del músico: el "descubrimiento" en sí de una nueva canción, se consideraba generalmente que provenía del subconsciente o de un fenómeno sobrenatural. Las tribus utilizaban instrumentos, en especial -tambores y sonajeros-, que se escogían en función del rito o ceremonia determinados y estaban provistos de un significado espiritual.

Los instrumentos se dividen en masculinos y femeninos, así lo consideró la tradición incaica. Se clasificación y el timbre del instrumento determinaba la situación social del intérprete, sin embargo a los trompetistas, se les tenía mucho respeto.

Gracias al estudio de los instrumentos musicales de los incas y de otras culturas indígenas, se ha podido conocer que utilizaban dos escalas pentatónicas y también, pero en menor medida algunas escalas heptatónicas.

En México en la cultura azteca, los músicos disfrutaban de un alto rango social y respeto. El repertorio estaba íntimamente ligado a un calendario religioso muy detallado y los músicos formaban un grupo especial privilegiado, como una especie de élite con importantes responsabilidades profesionales.

Cuando comenzó la colonización de América, fue a principios del siglo XVI, la escuela española de laúd se convirtió en la más respetada e importante de Europa. En esta misma época, el laúd, el rebab, el arpa y la guitarra se difundieron por América, agregando así otros instrumentos a la cultura americana. En los dos siglos siguientes se crearon numerosos cordófonos pulsados, gracias a que el laúd había penetrado en las tierras americanas, aunque más tarde, el laúd fue reemplazado por la guitarra y su derivado, la guitarra portuguesa, instrumento muy cercano de la mandolina y el banjo.

Gracias a la antigua tradición hispánica, en América, se continuó utilizando los instrumentos de cuerdas, de modo que no sólo se utilizaron la guitarra, el laúd y el arpa, sino también el banjo. El acentuado papel del ritmo, era genérico tanto en el folclore español como en las tradiciones musicales africanas y en los rituales religiosos indígenas. De esta forma, junto a los instrumentos existentes, también aparecieron nuevas e improvisadas variaciones confeccionadas de forma artesanal.

AUSTRALIA Y OCEANÍA

Antes de la colonización europea de Australia, en el transcurso del siglo XVIII que confinó a los aborígenes en las regiones desérticas del continente, la cultura de las personas nativas había existido durante siglos, sin que ocurrieran cambios significativos. La música de los originarios, como la de los indígenas de la Amazonia, se basaba en los sonidos emitidos por personas humanas, es decir, la voz y en el canto. Los cantantes o intérpretes más notables son capaces de producir dos notas al mismo tiempo.

Las canciones y las danzas que se acompañan con instrumentos musicales, forman parte de la vida de la población nativa de Australia, de su trabajo, ritos y celebraciones. Una característica clásica de su manera de cantar es el “glissando”, con intervalos menores que un cuarto de tono o incluso que un octavo. Más adelante se establecieron patrones melódicos que usan intervalos de segunda y de tercera.

Los maoríes de Nueva Zelanda son polinesios, como la mayoría de habitantes de las islas del Pacífico, y los bailes y canciones tienen un carácter más enérgico y emotivo. La población autóctona de Australia tiene dos formas musicales identificadas, la “sharada” que es una canción amorosa interpretada de manera antifonal por grupos de cantantes masculinos y femeninos y el “korobori”, un ritual en forma de danza, interpretado por la tribu de cuando los adolescentes se hacen hombres. La gran variedad de actividades humanas que se producen en Nueva Zelanda, casi siempre son acompañadas de música. Los instrumentos típicos son:

  • el gong de madera,
  • las trompetas, fabricadas de conchas de caracolas o madera. También se utilizan para poder enviar señales a distancia.
  • las flautas primitivas, algunas hechas con un diente de ballena o tiburón.

Los maoríes tienen una técnica especial para tocar la flauta primitiva: soplan con la nariz, lo que tiene un significado más respetuoso en sus prácticas del ritual.

Sabías que..

Los colonizadores blancos del siglo XVIII, la mayoría de ellos británicos, trajeron su propia música y canciones populares a Australia y las islas vecinas, que se usó como como fundamento de la cultura musical actual del continente.

LEJANO ORIENTE

Hacia el año 1297, momento cuando el viajero Marco Polo regresó de China, los europeos se negaban a creer en la sólida existencia de una singular civilización, tan antigua, como las pirámides de Egipto. En el siglo XVI, las creencias empezaron a convertirse en realidad, cuando se hallaron las rutas marítimas hacia el Lejano Oriente, fueron conscientes de la existencia de la cultura china. Más tarde, los historiadores y musicólogos descubrieron una colección de canciones rituales conocido como “Li Chi” y la antología poética Shih Ching, que contenían aproximadamente 300 canciones, databan una historia de 1100 cien años antes de nuestra era. Incluso antes a Platón y Aristóteles, uno de los filósofos chinos destacados, Lao-Tse y Confucio le habían dado mucha importancia al valor de la música, observando en ella como un medio para llegar a la perfección moral. En un nivel metafísico, los filósofos chinos mantuvieron la idea mística de que la música es una de las partes inseparables del universo, del ritmo de la naturaleza que nos rodea, y por ello se la debía tener en cuenta como un balance entre el cielo y la tierra y entre el -Yin femenino y el -Yang masculino.

La razón del significado metafísico y místico que se le ha atribuido a los instrumentos musicales estaba íntimamente relacionada al material del que estaban hechos, la atmósfera de las diferentes estaciones y fenómenos naturales como es el fuego, agua, trueno y la tierra. Por ejemplo, las cuerdas de seda del “ch'in”, tenían por símbolo el espíritu del verano y el fuego, y en cambio, la flauta de Pan encarnaba la primavera y el aire puro de la montaña.

La conexión orgánica existente que hay entre la música china y su lenguaje hablado, había determinado las prioridades de tradición musical dentro del país, donde la melodía y el sonido del instrumento ocupaban un lugar más importante que el ritmo y la armonía.

Las espléndidas relaciones entre Corea y China y el budismo, determinaron una gran influencia en su cultura, especialmente en su música y sus instrumentos musicales:

  • cítaras, (instrumento de cuerda con similitud a una arpa, pero más reducida en su tamaño y posicionada horizontalmente para ser tocada).
  • flautas,
  • instrumentos de viento-madera,
  • gongs
  • y tambores de varios tipos.

También la música coreana, influyó de forma significativa en la japonesa. Desde tiempos lejanos, varios músicos coreanos han sido invitados a Japón en rol de profesores y organizadores de ceremonias musicales reales y religiosas. La música de Japón encarna un caso particular en la civilización del Lejano Oriente. Por una lado, su ubicación geográfica, la nación insular sostenía contactos regulares con China, Corea y Manchuria, hecho que sometía a Japón a una gran influencia cultural.

Por otro lado, Japón estaba tan lejos de Asia continental y de su ruta de la seda, que pudo protegerse y resistirse más fácilmente a las influencias lingüísticas y de otras índoles de sus vecinos.

Igual que en China, el teatro musical japonés tuvo antiguas y muy arraigadas tradiciones. El teatro “Nő”, el cual combinó el canto y la narración, fue el modo teatral más sofisticado de Asia Oriental. El teatro “Kabuki”, donde cada sílaba tiene su significado único,

“ka” - “canción”,  “bu” - “danza”,  “ki” - “habilidad”,  

Nació hacia el siglo XVI y se escaló hasta convertirse en la forma teatral más popular. Su símil en europa, era circo, pantomima o una amalgama de ópera. El teatro Kabuki usaba grupos instrumentales ubicados en la escena y fuera de ella. Las danzas se acompañaban con instrumentos musicales como tambores y flautas, o por el “shamisen” (un instrumento de cuerda musical japonés) y la voz. Los tambores, gongs, campanas y varillas de madera avisaban e informaban del inicio del espectáculo y nuevas escenas.

Sin embargo, las raíces de la música de indonesia se sitúan entre los siglos IV y VI, no obstante, su primer contacto con los europeos no se materializó hasta el siglo XVI. En comparación a las demás culturas musicales del Lejano Oriente, la cultura musical de Indonesia es la que más tiene un íntimo contacto con la danza y el teatro de máscaras y sombras, y se basa en una escala pentatónica, que evolucionó más adelante en una escala de siete notas. La música de Indonesia, a pesar de ser rica en danzas e instrumentos musicales diferentes, la melodía es la que adquiere el papel más alto en la cultura, como protagonista de la misma y el material melódico y rítmico que fue desarrollado se conoce como “tallo y flores”.

INDIA

Los orígenes de las tradiciones musicales de la India se remontan hasta el tercer milenio antes de nuestra era, y por lo tanto son de las más antiguas del mundo. En la India se cree que los instrumentos musicales tienen un origen divino, y de acuerdo con los esquemas de clasificación europeos, sólo pueden ordenarse de una forma aproximada. La música clásica hindú cuenta con unos quinientos instrumentos relacionados con la filosofía, la religión y la mitología del país.

El primer sistema de notación musical se desarrolló en la India, donde también por primera vez se hizo uso de diferentes sílabas para indicar los grados de la escala: sa, ri, ga, ma, pa, dha y ni, que corresponden con la escala descendiente occidental fa, mi, re, do, si, la, sol. Se conservan numerosos textos musicales escritos en hojas de palma pertenecientes a himnos y música religiosa.

Entre los siglos XII y XVI se desarrollaron dos estilos musicales separados: el “karnatak”, en el sur de la India, y la música indostaní en el norte del país y en el territorio de que hoy constituye Pakistán. Esta última estuvo muy influida por la música persa y absorbió muchos de sus elementos, un hecho inevitable, ya que la música indostaní se desarrolló principalmente en las cortes de los príncipes, quienes en su gran mayoría provenían de Persia y eran musulmanes. La música “karnatak” siguió su propio camino en los templos y evolucionó.

En muchas provincias de la India surgieron distintos estilos vocales como los himnos religiosos, las canciones rurales, canciones de bienvenida, danzas (Bengala) y canciones de pescadores y marineros. Cada tipo tenía su denominación y sus características propias.

El hecho de que durante el siglo XVIII la India estuviera bajo control británico no influyó demasiado en los centros de desarrollo y composición musical del norte del país, es decir, en los círculos aristocráticos. Sin embargo, con la declaración de la independencia de la India, el mecenazgo de las artes ejercido por la aristocracia perdió importancia y, al igual que en Europa durante los siglos XVIII y XIX, se creó una música dirigida a un sector más amplio de la población.

La música hindú se caracteriza por fusionar la danza, la canción y el acompañamiento instrumental. Cada estilo de danza posee su forma característica de acompañamiento, tocado a su vez por distintos tipos de orquesta. Esta cercanía entre la música y la danza es la responsable de la riqueza y complejidad de los patrones rítmicos. Pueden haber 3, 4, 5, 6, 7 e incluso hasta 24 acentos por compás. El ritmo suele ser doble, con un sofisticado patrón expuesto sobre un fondo de pulsaciones constantes. Los cambios abruptos de ritmo sólo se dan en la música religiosa.

La música hindú se basa en la voz humana y es monofónica. Existen escalas de 5, 6 y 7 notas, y las más típicas son las escalas en segundas. Las escalas determinan, no sólo el tamaño de los intervalos, sino también el carácter de la ornamentación, las técnicas de interpretación y el “estado de ánimo” de una obra determinada, lo que se conoce como raga. La extensión de la música hindú no sobrepasa las cuatro octavas. Los instrumentistas imitan el estilo vocal y las canciones actúan como marco para la improvisación, que tiene un importante papel en la tradición musical hindú y ha conquistado a Occidente durante la segunda mitad del siglo XX. Otra característica de la música hindú es su rica ornamentación. La melodía en ocasiones se entona de forma microtonal, y se canta con suma delicadeza y cuidado.

ORIENTE PRÓXIMO

El Oriente Próximo es una verdadera mezcla de culturas. Las culturas antiguas perdidas de Asiria-Babilonia, Fenicia y Palestina recibieron una gran herencia musical muy rica, como por ejemplo numerosos instrumentos de cuerda, percusión y viento, como sistros, arpas y liras de origen la civilización sumeria, shofars (instrumento de viento de origen judío), triángulos de metal y flautas de tubos múltiples de origen hebreo. En la Biblia se manifiesta la orquesta del rey babilónico Nabucodonosor y del fenomenal talento del rey David como intérprete del arpa y compositor de salmos.

Después, la música árabe fue la influencia más dominante. Los orígenes se remontan a la tribus nómadas de los beduinos del siglo II a.C. Sus cantantes y poetas dejaron una tradición muy rica en ritos, canciones, danzas y varios rituales de magia. El estilo de canto “huda” eran entonaciones y compases que trazaban el ritmo de las caravanas, al igual que los cánticos funerales “buka”. El texto y la música estaban muy relacionados, los ritmos eran fáciles y el rango de extensión de sus melodías no superaba una cuarta, sin embargo las escalas eran microtonales, en comparación de las escalas tradicionales de la música occidental.

EUROPA

Explicaremos la historia de la música desde la Edad media, donde podemos observar la aparición de diferentes tipos de instrumentos musicales aerófonos, fabricados de madera comúnmente y/o huesos animales. Renacimiento y Barroco, la transición de Barroco y Neoclasicismo así como el Romanticismo. En cada época podemos notar el perfeccionamiento de los instrumentos así como la aparición de nuevos, fabricados de otros materiales, entre los cuales está el metal.

Edad Media

Desde el punto de vista de la historia de la música europea, el período medieval cubre cerca de 1000 años (desde el 450 hasta el 1450 de nuestra era). Un evento importante ocurrido en este período, fue la inicio de la notación musical en la música sacra. Antes del siglo XIX, la música sacra y la profana eran transmitidas de forma oral de una generación a la otra. A comienzos de la Edad Media, los sacerdotes y los monjes fueron de los primeros en escribir música y fueron los únicos capaces de leerla. Antes del siglo IX se utilizaron diversos caracteres y neumas, pero desgraciadamente fueron insuficientes para mantener la demanda creciente de la producción profesional. En sus inicios, la música sacra era monofónica, y fue solo el desarrollo del órganum, lo que estimuló activamente el ímpetu necesario para el desarrollo de nuevas tradiciones musicales.

Por supuesto, se siguieron componiendo y ejecutando obras de una sola voz, monofónicas a lo largo de todo el período. Guido d’Arezzo (c. 995 - después de 1050) hizo una contribución fundamental al desarrollo de la notación musical, dando solución a un problema teórico y práctico que había preocupado a los músicos durante muchos años. Inventó el sistema de notación por medio de un pentagrama, que a día de hoy se usa de forma menos activa. También, creó el solfeo de grupos de 6 notas, el hexacorde diatónico do - la, usando la primera sílaba de los 6 primeros versos de un himno religioso para llegar a la serie ut, re, mi, fa, sol, la. (la sílaba "ut" fue posteriormente reemplazada por "do").

Durante los siglos XII y XIII la catedral de Notre dame de París, se convirtió en un importante centro musical recibiendo importantes artistas de la época. Fue allí donde el arte del organum alcanzó su máximo esplendor. Este período se conoce con el nombre de "Ars Antiqua", como antónimo del "Ars Nova" del siglo XIV. Las dos figuras principales del "Ars Nova" fueron creadas por Philippe de Vitry (1291 - 1361), un compositor y teórico francés, y Guillaume de Machaut (h. 1300 - 1377), compositor, poeta y canónigo de Reims.

Sabías que..

Aerófonos en la Europa medieval.
En la Europa medieval, los instrumentos de viento de lengüeta y tubo simple fueron muy populares. A causa de su parecido tenían nombres similares en los diferentes países. uno de estos instrumentos fue el “Chalumeau” francés, experimentó una notable evolución, sobre todo en su sección superior.

Flauta medieval con vejiga animal

La flauta medieval fabricada con la vejiga de un animal. Consiste en un tubo recto o  a veces curvado con varios agujeros para los dedos y una vejiga de animal que actúa como una reserva de aire.

2 flautas con boquillas

2 flautas con boquilla que se interpretan junto a un pequeño tambor provenzal.

Trompeta medieval europea

Trompeta medieval europea del siglo XI, hecho de tubo estrecho y de origen sarraceno.

olinfante

1- Olinfante, siglo XIV

2- El así llamado "Olinfante de Rolando", que perteneció al sobrino de Carlomagno, siglos IX - X

3- Olinfante hecho de un cuerno animal, Hungría

El olinfante es una trompa medieval, que tenía forma de colmillo de elefante, de ahí viene su nombre. Alrededor de 80 instrumentos musicales medievales que han sobrevivido y llegado a nuestra época, están fabricados de marfil, siendo el 75% el resultado del trabajo de los fabricantes árabes del sur de Italia. Los elefantes suelen estar muy bien decorados, y el instrumento se menciona en la Chanson de Roland.

Renacimiento y Barroco

El Renacimiento se refiere al período que abarca entre los años 1450 y 1600 en la historia de la música europea, e incluye las obras de las escuelas borgoñana y flamenca, así como las de compositores italianos, españoles e ingleses.

Existen diferentes opiniones acerca de cuándo comenzó y finalizó esta etapa artística, relacionadas con la influencia de la escuela borgoñona y con la duración algo más larga del Renacimiento en Inglaterra. El período renacentista coincidió con el florecimiento de la pintura, la escultura y la arquitectura en Italia, aunque durante el Renacimiento temprano los compositores más importantes fueron originarios del norte de Francia y de Flandes, un área que se extendía sobre un territorio que hoy ocupan Francia, Bélgica, Luxemburgo y los Países Bajos. Con el posterior auge de la educación secular, Italia se convirtió en un destacado centro de innovaciones musicales.

La Reforma, impulsada en Alemania por Martín Lutero (1483 - 1546), no solo representó el fundamento sobre el que se erigió la Religión protestante, si no que también reformó el uso de la música dentro de la Iglesia, que fue testimonio del canto coral protestante a partir del canto gregoriano.

La evolución de la música durante el Renacentismo es casi paralela al desarrollo de la polifonía. Numerosas publicaciones de madrigales de la época indican que se debe interpretar con “voces o violas”. La música instrumental se componía para grupos fijos y también para instrumentos individuales. Eran comunes las transcripciones instrumentales de las canciones de moda, por lo general para laúd o el virginal. Los instrumentos principales de este período en cuanto a los instrumentos de viento como la chirimía, el orlo o krummhorn, la corneta y las flautas sopladas por un extremo.

El laúd se convirtió en el instrumento favorito para el hogar, y su vasto repertorio de muestra la estrecha relación existente entre la música instrumental, la canción y el baile.

Aunque de modo poco explícito en sus inicios, el barroco (1600 - 1750) se caracterizó por un cambio en los gustos y preferencias del renacentismo. Comenzaba una época de espectacular creación musical y de perfección instrumental. El arte de los luthiers alcanzó su apogeo en las obras de fabricantes como Gasparo de Saló y las familias Amati, Guarnieri y Stradivari.

Barroco y Neoclasicismo

Observando desde el punto de vista de la historia de la música, el periodo barroco abarca aproximadamente el periodo de los años 1600 y 1750, dicho de otra forma, desde las primeras óperas de J.S. Bach hasta su muerte. Los musicólogos han utilizado el término “Barroco” desde los principios del siglo XX para describir el momento en el que surgió un elemento fundamental de la composición, <el bajo ininterrumpido>, que con su armonía implícita servía como punto de partida para las voces cantantes. Entre los compositores más destacados del Barroco, se encuentran Monteverdi (quién compuso la primera ópera verdadera), Frescobaldi, Vivaldi, François Couperin, Purcell, y por supuesto no pueden faltar, dos grandes maestros de finales del periodo, Händel y Bach.

Los grupos instrumentales comenzaron a tomar parte en actividad desconcertantes, también como apunte importante, se añadieron nuevos instrumentos del grupo de los aerófonos, como el corno inglés, el fagot y el clarinete.

El periodo del Clasicismo musical, se comprende entre 1770 - 1827 (hasta la muerte de Beethoven), y se describe como la “época clásica”, asociando directamente con el arte antiguo de Grecia y Roma.

El control de las emociones y la claridad estructural son verdaderas características generales del estilo Clásico, representado en algunas obras de Haydn, Mozart y Beethoven, aunque también esta música también puede ofrecer fuertes contrastes dramáticos o carácter humorístico. Los géneros instrumentales Neoclásicos más populares, se caracterizan por la obertura, el divertimiento y las variaciones, así como formas orquestales ligadas a la sonata de cuatro movimientos: el concierto y la sinfonía, géneros que se desarrollaron con mucha rapidez y paralelamente a la orquesta sinfónica, que a su vez se originó a partir de una agrupación instrumental que había sido creada en Mannheim.

En cuanto al ámbito de la música vocal, los estilos de ópera italiana que conquistaron Europa, se mantuvieron en su predominancia, aunque los compositores más destacados del periodo Clásico, desarrollaron nuevas estructuras vocales en sus óperas, oratorios y misas, sacando ventaja del potencial aumentado que los otorgaban la Orquesta Sinfónica clásica y sus instrumentos.

Romanticismo

El período Romántico se comprende entre los años 1820 y 1910, casi todo el siglo XIX. Contrariamente a los términos “Barroco o Clásico”, utilizados por especialistas. La palabra “Romántico” es más conocida, dentro del contexto de los movimientos nacionalistas transcurridos en Europa en paso del siglo XIX. A pesar de haber sido corto, el período romántico se caracteriza por un avance rápido y multifacético, que consiguió reemplazar los movimientos estéticos como el Impresionismo o el Expresionismo, que a su vez fueron abandonados en favor del Neoclasicismo, Serialismo, la Aleatoriedad y los primeros experimentos en música Electrónica.

La rapidez se convirtió en el dictamen estándar de la evolución musical del siglo XX. En el ámbito musical, el Romanticismo se inició con obras de Beethoven y Schubert, y terminó con la obra de compositores como Gustav Mahler y Richard Strauss.

La diferencia principal entre Clasicismo y Romanticismo es el hincapié que éste hace en los sentimientos, las emociones y la imaginación. Dichas características se anteponían a la armonía, las estrictas proporciones y/o al sentido de unidad arraigados por las obras clásicas. También surgieron nuevos géneros musicales de gran popularidad como el drama musical, el poema sinfónico y la pieza para piano de corta duración.

El diatonismo del Clasicismo dió el paso a las armonías cromáticas de Richard Wagner y Richard Strauss. Surgieron escuelas de compositores nacionalistas en varios países como Alemania, Rusia, Polonia, Bohemia entre otros lugares. El siglo XIX favoreció la conjunción de la música instrumental con obras literarias y escénicas, creando así el concepto de “síntesis de las artes”.

También floreció la ópera durante todo el período Romántico: se crearon varios estilos operístico nacionales, rebajando así el dominio italiano, y se desarrolló el estilo “Verismo”.

Hacia finales del período, la música empezó orientarse más hacia el compositor, donde los compositores empezaron a buscar su inspiración en una gran variedad de géneros y estilos creados por el período, en especial de la música folclórica y oriental.

La Orquesta Sinfónica

Las secciones de la orquesta se establecieron el siglo XVIII. La estructura  posterior de la orquesta sinfónica, que fue más compleja, fue el resultado de una larga evolución afectada por la música teatral y la ópera.  

Claudio Monteverdi (1567 - 1643), fue un compositor de la ópera “Orfeo”, el primero en dividir la orquesta en dos secciones elementales, las cuerdas frotadas y los vientos, dando así una nueva dirección al desarrollo.

En cambio los cuatro grupos instrumentales principales de la orquesta moderna no se decidieron hasta finales del siglo XVIII, empezando por las obras de la Escuela de Mannheim y después de forma más sólida en las sinfonías de Haydn y Mozart.

Beethoven hizo una gran contribución al poder dramático y expresivo de la orquesta, también Héctor Berlioz y Richard Wagner en lo referido a los matices de la misma instrumentación.

A finales del siglo XIX, la Escuela Impresionista buscaba la transparencia del sonido orquestal, mientras que en Viena, Richard Strauss continuó con el desarrollo de la estética “Wagneriana”, tratando de obtener el máximo esplendor de una orquesta expandida.

Cuando el intérprete del clavecín dirigía una orquesta, los violines e instrumentos de viento se situaban en el centro y los contrabajos a ambos lados.

Más adelante, la disposición habitual de los instrumentos enfrentaba a los primeros violines con los segundos, en los lados del director. A veces, esta configuración hacía más difícil la sincronización de la interpretación, de modo que los segundos violines fueron trasferidos hacia el lado izquierdo del director al lado de los primeros violines.

Leopold Stokowski (1882 - 1977), el famoso director de la Philadelphia Orchestra, trasladó esta nueva disposición a Estados Unidos, que adquirió el nombre de disposición “americana”.

La orquesta sinfónica tradicional se compone de cuatro familias principales de instrumentos:

  • cuerdas - violines, violas, violonchelos y contrabajos.
  • viento-madera - flautas, clarinetes, oboes, fagots y saxofones.
  • viento-metal - trompetas, trombones, trompas y tubas.
  • percusión - timbales, tambor bajo, caja, platillos y otros.

El piano, no es un instrumento que destaca como solista sino también, como miembro de la orquesta, especialmente en el repertorio del siglo XX. El característico timbre del arpa, un instrumento muy utilizado por el compositor Chaikovsky y por otros compositores impresionistas. Con el paso del tiempo, también se ha convertido en un sonido familiar dentro de la moderna orquesta sinfónica.

Diccionario de conceptos de la música

Acento

Énfasis o hincapié sobre una determinada nota o acorde.

Acorde

Es una combinación de tres o más notas que suenan de forma armónica al mismo tiempo.

Aleatorio

Estilo de vanguardia que incluye al azar en una composición o una interpretación musical.

Antífona

Es el principio del canto responsorial que se encuentra dentro del canto coral religioso.

Armónicos

Cualquier nota aguda que se escucha por encima del sonido de la nota fundamental, producido por una cuerda o una columna de aire, que a su vez tiene una frecuencia de vibración que es un múltiplo exacto de la frecuencia de dicha nota fundamental.

Bajo cifrado

Sistema abreviado de notación de acordes que se desarrolló en Italia hacia el siglo XVI. A las partes del bajo, se añadía en números, que simbolizan los intervalos desde la nota del bajo a las otras notas del acorde.

Boquilla

Es una parte del instrumento de viento-madera o viento-metal, que se sostiene o se apoya en la boca. En los instrumentos de viento-metal tiene forma de copa y puede variar en tamaño. En los instrumentos de viento-madera contiene una lengüeta simple, como por ejemplo el clarinete o saxofón, o lengüeta doble como el oboe o fagot.

Bordón

Es la nota grave mantenida por un instrumento de tubo o cuerda.

Cabeza de un tambor

La membrana estirada sobre uno de los extremos del tambor.

Cantilena

Es el pasaje lírico fluido y suave de la música instrumental o vocal.

Contrapunto

Técnica que consiste en combinar más de dos líneas musicales distintas que suenan a la vez. Apareció durante el periodo temprano de la música polifónica, entre los siglos IX y XIII.

Cromatismo

Empleo de semitonos o la progresión melódica por medio de ellos.

Diapasón

Tira fina de ébano u otra madera sólida fijada al mástil o el mango de un instrumento de cuerda. Los dedos presionan en las cuerdas contra la membrana con el fin de acortarlas y producir de esta manera sonidos de diferentes alturas.

Diatónico

Utilización de una escala de siete notas dentro de una octava.

Digitación

1. Técnica de manipular con los dedos las cuerdas, teclas, etc. de los instrumentos para reproducir diferentes sonidos.

2. Indicación escrita encima de una nota que define qué dedos han de ser utilizados para obtenerla.

Dinámica

Son los grados de intensidad o bien, suavidad de los sonidos en la interpretación musical.

Disonancia

Son sonidos que se encuentran fuera del rango de las combinaciones que a su vez son aceptadas por los compositores como implicando de reposo. El concepto acerca de qué acordes e intervalos constituyen la consonancia o la disonancia ha cambiado a lo largo de la Historia de la música.

Acorde que suena incompleto o a veces no resuelto, hasta que alcanza una armonía estable.

Dominante

Nota o armonía que se basa en el quinto grado de la escala diatónica.

Duración

Es el tiempo que dura una determinada nota. En la música escrita, la forma de la nota representa su misma duración: desde una semifusa hasta una redonda.

Escala

Una serie de notas organizadas en una secuencia de afinaciones ascendientes o descendientes que se basan en un sistema de intervalos.

Escala cromática

Es una escala musical construida sobre una sucesión de semitonos.

Extensión

Distancia entre la nota más grave y la más aguda, que un instrumento musical determinado es capaz de emitir. También se puede dividir en registros como el grave, medio y/o agudo.

Frecuencia

Forma científica de describir la altura de un sonido que va en función del número de sus vibraciones periódicas o de ondas por unidad de tiempo.

Homofonía

Música caracterizada por una melodía principal y varias partes subordinadas que proveen un soporte significativamente rítmico y armónico.

Instrumentos cromáticos

Son los instrumentos capaces de tocar todas las notas de la escala cromática.

Instrumentos de tubo ancho

Instrumentos de viento-metal, como la tuba o el flügelhorn con tubo cónico, cuya relación entre la boquilla y el pabellón es de 1:20.

Instrumentos de tubo estrecho

Este término se refiere a los instrumentos de viento-metal en los que la nota que suena sin emplear las válvulas es la fundamental, como por ejemplo la misma trompeta, la corneta y el trombón entre otros. El estrechamiento del tubo no es uniforme y la relación entre la parte más ancha del tubo y la más delgada puede variar entre 1:4 y 1:3.

Instrumentos naturales

Instrumentos de viento-metal SIN válvulas, solo son capaces de producir las notas de la serie armónica NATURAL, por medio del “sobresoplado”.

Instrumentos transpositores

Son los instrumentos para las personas que la música se escribe más alta o más baja que su sonido real.

Intervalo

Diferencia de afinación entre 2 notas. Dicho intervalo se puede medir por el número de semitonos que las separan.

Lengüetas

Tira delgada de caña, que se coloca frente a la abertura de la boquilla en ciertos instrumentos de viento para que aún permanezca una abertura estrecha; cuando se hace vibrar mediante la respiración o columna de aire, se reproduce una nota musical.

Manual

Teclado

Maqam

Son escalas utilizadas en el Medio Oriente. Existen más de 70 maqams y cada una tiene su propio nombre.

Mayor

Término que designa un intervalo de segunda, tercera, sexta o séptima que es un semitono mayor que el intervalo menor correspondiente.

Por ejemplo, entre las dos notas que constituyen un intervalo de tercera mayor, hay cuatro notas semitonos, en cambio las escalas o acordes mayores la tercera siempre es mayor.

Melodía

Es una secuencia de notas simples, organizadas de tal forma que constituyan una frase musical.

Menor

Término que designa a un intervalo de segunda, tercera, sexta o séptima que es un semitono más pequeño que el intervalo mayor correspondiente.

Por ejemplo, entre las dos notas que constituyen un intervalo de tercera menor hay tres notas semitonos, en cambio las escalas o acordes menores la tercera siempre es menor.

Métrica

Es la organización rítmica de las duraciones de las notas, ya sean largas o cortas.

Modulación

Transición de una tonalidad a otra en el transcurso de una pieza musical.

Monodia

Estilo vocal antiguo que consiste en una sola voz y un acompañamiento armónico.

Monofónico

Música que se caracteriza por una línea melódica simple y sin ningún tipo de acompañamiento.

Motivo

La unidad más pequeňa de una melodía desarrollada en una obra musical.

Música serial

Técnica de composición propia del siglo XX que se basa en un patrón determinado y recurrente de notas en serie.

El mismo proceso puede ser aplicado a la duración, dinámica y el timbre.

Octava

Intervalo de ocho grados diatónicos entre una nota y su próxima ocurrencia. Por ejemplo entra un Do2 y el siguiente Do3.

Opus

Sustantivo latino que significa "obra". Es cualquiera de las obras musicales de un compositor, numeradas según su orden de composición o publicación que fue introducida hacia el final del siglo XVI.

Desde Beethoven, muchos compositores otorgan a sus obras un número de Opus.

Plectro

Pieza de metal, hueso o de plástico de un grosor fino, utilizado para pulsar cuerdas.

Polifonía

Determinado número de melodías o voces independientes que suenan de forma simultánea.

Polirritmia

Una combinación simultánea de ritmos contrastantes en una composición musical.

Politonalidad

Ocurrencia simultánea de más de dos tonalidades o escalas distintas.

Posición

Son los puntos del diapasón donde las cuerdas se acortan mediante los dedos de la mano izquierda. Típico en los instrumentos de cuerda, donde la mano izquierda es constantemente desplazada a lo largo del mango del instrumento.

Registro

La división de la extensión de un instrumento en secciones más pequeñas donde las notas presentan un timbre uniforme.

Scordatura

Reafinación de más de una cuerda para aumentar la extensión de un cordófono o para facilitar su interpretación.

Durante los siglos XVI y XVIII, se aplicó por primera vez a los laúdes y después a la moderna familia del violín.

Semitono

Es la mitad de un tono. El intervalo básico de la escala cromática.

Timbre

Cualidad característica de un sonido, que distingue una voz o un instrumento musical de los demás. Se determina por los armónicos del sonido.

Tono

Sonido identificativo que, por lo general, corresponde en su frecuencia de vibración con alguno de los semitonos de la escala cromática.

Tonalidad

Organización de los tonos alrededor de un centro tonal. Cada tono puede ser empleado para construir una escala mayor o menor. La tonalidad es designada por la nota fundamental (tónica) y la forma mayor o menor. Por ejemplo la nota Do mayor y Do menor.

Traste

Es el puente lateral, fijo o a veces móvil, colocado transversalmente en el diapasón del instrumento de cuerda para regular su digitación.

Según las leyes de la acústica, cuanto más cerca del clavijero, mayor es la distancia entre los trastes.

Válvula

Dispositivo que permite variar la longitud del entubado para cambiar el sonido de la nota producida. Solo disponible en ciertos instrumentos de viento-metal.

Vara

Sistema móvil de tubería, que permite variar la longitud total del entubado del instrumento con el objetivo de producir notas diferentes en cada movimiento. Se emplea en el trombón de vara.

Familias de los Instrumentos

Los instrumentos de viento se pueden categorizar por el material con el que están fabricados, de madera o metal: