Instrumentos de viento

En nuestro portal trataremos de resolver todas las dudas relacionadas con los instrumentos más básicos de viento, su procedencia así como las partes y quiénes son los mejores músicos de cada instrumento. Clasificamos los instrumentos de viento en: viento-madera y de viento-metal. Empieza con los instrumentos que aparecen más abajo para indagar sobre ellos y su procedencia.

Lista De Los Instrumentos de Viento

Aquí tienes una lista de los instrumentos de viento más conocidos para que puedas ver de un vistazo la clasificación entera de instrumentos musicales

Definición de los instrumentos de viento

En primer lugar debemos tener en cuenta que el Instrumento de Viento tiene por definición, es cualquier instrumento musical que usa el aire como medio de vibración principal para la producir el sonido. Los instrumentos de viento producen sonido por una columna de aire vibrante, ya sea con una caña o con los labios de un músico y se encuentran calificados en dos grupos; instrumentos de viento de madera y de metal.

Son muchas conjeturas existentes sobre el origen de los instrumentos de viento y, debido a que se encuentran ampliamente diseminados sobre la faz de la Tierra, es bastante probable que el proceso de vibrar los labios contra un agujero en una rama, un hueso, un caparazón, un cuerno de animal o un colmillo pueden haberse descubierto independientemente en muchas culturas anteriores.

¿Que vas a encontrar en esta web de Instrumentos de Viento?

  • Todos los instrumentos de viento más utilizados. Incluimos varios nombres de instrumentos de viento y el nombre de los instrumentos musicales.
  • Diferentes tipos de familias de instrumentos.
  • Imágenes de instrumentos de viento, para que puedas identificar todas sus partes. En cada imagen podrás ver que aparecen distintos tipos de instrumentos musicales con nombres, cosa que consideramos importante por la complejidad y diferenciación de cada uno de los aerófonos, así como sus partes.
  • Historia general de cada instrumento de viento. ¿Qué son los instrumentos aerófonos? En algunos países vecinos también llamados como instrumentos musicales de aliento.
  • Ejemplos prácticos de cómo suena cada instrumento de viento.
  • Un apartado donde te enseñamos a dibujar diferentes tipos de instrumentos musicales de viento, son dibujos fáciles y rápidos de hacer.

Historia de los instrumentos musicales de viento

¿Qué son los instrumentos de viento?
Usualmente los instrumentos musicales de viento o también llamados instrumentos de aire o aerófonos solían ser de madera, razón ésta de su nombre, pero hoy en día son fabricados tanto de madera, como de metal, plástico o alguna combinación. Los mismos vienen siendo, básicamente, cilindros o tuberías estrechas con orificios, una abertura en el extremo inferior y una boquilla en la parte superior.

De la misma forma que en los instrumentos de cuerda, los instrumentos de viento producen tonos más altos son los más pequeños, mientras que los que tocan las notas más bajas, son los más largos y grandes. En este grupo de instrumentos podemos destacar por su tono, desde los más altos hasta los más bajos: el flautín, la flauta, el oboe, el cuerno inglés, el clarinete, el clarinete plano, el clarinete bajo, el fagot y el contrafagot.

Como verás a continuación podrás ver e identificar el instrumento de viento o también llamado instrumento de aire más grande, el bombardino.

El instrumento de aire más pequeño es la armónica.

ÁFRICA

La cultura es tan diversa como su propia gente, hablan cerca de 700 idiomas y dialectos diferentes, mucho más que en ningún otro continente. La herencia musical del continente africano incluye la contribución original de los antiguos habitantes del valle del Nilo.

En el antiguo Egipto, los instrumentos que predominaron fueron:

  • las arpas, apoyadas en el hombro, rodillas o colocadas sobre la mesa,
  • las flautas, sopladas por un extremo o lateralmente, con uno o dos tubos,
  • los silbatos de madera,
  • los tambores membrana sencilla o doble,
  • las panderetas,
  • los platillos hemisféricos de metal,
  • las castañuelas de madera.

La música del antiguo Egipto era suave, con un toque místico y dulce. Los países islámicos del norte del desierto del Sahara (Marruecos, Túnez, Argelia y Egipto) poseen tradiciones musicales relacionadas de diferentes maneras con las de Oriente Medio, mientras que la música de los países subsaharianos, donde las grandes comunidades que todavía viven de manera sencilla y tradicional, tiene un carácter más práctico. En África la música, la danza y el canto son elementos inseparables, y de hecho pocos africanos usan el término abstracto “música, sino que se refieren a canciones, bailes y poesía en su conjunto.

La música y la danza son las protagonistas de muchas ceremonias que se celebran con motivo de grandes acontecimientos como el nacimiento, el matrimonio o el funeral. De manera muy similar al folclore y a la historia africana, las tradiciones musicales se han ido conservando de manera oral, no existen los sistemas de notación o apunte. En África, la música tiene un importante papel como un medio de comunicación, gracias a los “tambores hablantes”, expresan señales y mensajes, muchas veces a larga distancia. Pero la característica más álgida de la música del África subsahariana es su insólita velocidad y la complejidad de sus estructuras polirrítmicas, muchas veces interpretadas por instrumentos de percusión existentes de la época. La fina línea que hay entre la música y la danza africanas, explica el dominio casi pleno del ritmo y la percusión.

Los grupos musicales, varían entre 2 a 20 intérpretes, siempre o casi siempre incluyen tambores, xilófonos y varillas de madera entrechocadas. Hay instrumentos de altura indefinida, como campanas y diferentes tipos de tambores y de altura definida como flautas, trompetas, xilófonos, arpas más primitivas. Manteniendo un tempo rápido, los músicos del grupo interpretan ciertos patrones rítmicos contrastantes con total independencia de las partes, lo que le atribuye a la música un destacado carácter emotivo.

La música vocal africana, se diferencia de un patrón característico denominado “pregunta y respuesta”, muy similar al de llamada y respuesta que se puede encontrar posteriormente en el espiritual afroamericano. El solista presenta una pregunta en frases cortas que son repetidas con ciertas variaciones, y el coro responde. La riqueza melódica de la música africana, que se basa por lo general en el tetracordio y en la escala pentatónica, también encuentra su origen en el canto polifónico en los intervalos paralelos, terceras, cuartas, quintas, en los efectos expresivos sobre intervalos de semitono y el portamento, y en una peculiar atención a matices muy sutiles en el color de los sonidos, a los que los vocalistas africanos son afines. También, las frecuentes interrupciones para insertar episodios hablados o recitados, son típicas del canto africano. A principios del siglo XX, cuando los europeos empezaron a abandonar el foco tradicional de la pintura y la música, se hicieron más cercanos hacia el llamado “arte primitivo” y la música africana comenzó a interesar más a cada vez más músicos y melómanos crecientes. El primer Jazz afroamericano y los préstamos directos e indirectos posteriores de modelos musicales africanos, han hecho popular la intensidad rítmica y el potencial tímbrico de los instrumentos tradicionales de África.

AMÉRICA

El continente Americano, y especialmente el subcontinente latinoamericano, es un completo conglomerado de influencias culturales indígenas e importadas. El año 1492 se considera como el "antes y el después" cronológico de la historia de la música en latinoamérica cuando Cristóbal Colón pisó por primera vez América. Así, la historia cultural del continente se divide en dos períodos importantes, el "lombino y el postcolombino", cuyo inicio empezó con la destrucción de las evolucionadas civilizaciones locales de los incas en el Perú, de los aztecas en México y de los mayas en Yucatán. La conquista española, seguida de la llegada de colonizadores de Portugal, Inglaterra y Francia, junto con la cultura de los indígenas norteamericanos y amazónicos, también las tradiciones africanas importadas, formaron la base de la “música americana”: un fenómeno único en la historia, lleno de colorido.

La famosa figura del “chamán” fue clave en la cultura de los indígenas amazónicos ya que la música constituía su principal medio de comunicación con espíritus del pasado y también del futuro, ayudándole a alcanzar un estado de trance religioso.

Vocal, era la música de los indígenas norteamericanos, y se creía que las canciones "se descubrían", en lugar de considerarlas como composiciones fruto de la voluntad del músico: el "descubrimiento" en sí de una nueva canción, se consideraba generalmente que provenía del subconsciente o de un fenómeno sobrenatural. Las tribus utilizaban instrumentos, en especial -tambores y sonajeros-, que se escogían en función del rito o ceremonia determinados y estaban provistos de un significado espiritual.

Los instrumentos se dividen en masculinos y femeninos, así lo consideró la tradición incaica. Se clasificación y el timbre del instrumento determinaba la situación social del intérprete, sin embargo a los trompetistas, se les tenía mucho respeto.

Gracias al estudio de los instrumentos musicales de los incas y de otras culturas indígenas, se ha podido conocer que utilizaban dos escalas pentatónicas y también, pero en menor medida algunas escalas heptatónicas.

En México en la cultura azteca, los músicos disfrutaban de un alto rango social y respeto. El repertorio estaba íntimamente ligado a un calendario religioso muy detallado y los músicos formaban un grupo especial privilegiado, como una especie de élite con importantes responsabilidades profesionales.

Cuando comenzó la colonización de América, fue a principios del siglo XVI, la escuela española de laúd se convirtió en la más respetada e importante de Europa. En esta misma época, el laúd, el rebab, el arpa y la guitarra se difundieron por América, agregando así otros instrumentos a la cultura americana. En los dos siglos siguientes se crearon numerosos cordófonos pulsados, gracias a que el laúd había penetrado en las tierras americanas, aunque más tarde, el laúd fue reemplazado por la guitarra y su derivado, la guitarra portuguesa, instrumento muy cercano de la mandolina y el banjo.

Gracias a la antigua tradición hispánica, en América, se continuó utilizando los instrumentos de cuerdas, de modo que no sólo se utilizaron la guitarra, el laúd y el arpa, sino también el banjo. El acentuado papel del ritmo, era genérico tanto en el folclore español como en las tradiciones musicales africanas y en los rituales religiosos indígenas. De esta forma, junto a los instrumentos existentes, también aparecieron nuevas e improvisadas variaciones confeccionadas de forma artesanal.

AUSTRALIA Y OCEANÍA

Antes de la colonización europea de Australia, en el transcurso del siglo XVIII que confinó a los aborígenes en las regiones desérticas del continente, la cultura de las personas nativas había existido durante siglos, sin que ocurrieran cambios significativos. La música de los originarios, como la de los indígenas de la Amazonia, se basaba en los sonidos emitidos por personas humanas, es decir, la voz y en el canto. Los cantantes o intérpretes más notables son capaces de producir dos notas al mismo tiempo.

Las canciones y las danzas que se acompañan con instrumentos musicales, forman parte de la vida de la población nativa de Australia, de su trabajo, ritos y celebraciones. Una característica clásica de su manera de cantar es el “glissando”, con intervalos menores que un cuarto de tono o incluso que un octavo. Más adelante se establecieron patrones melódicos que usan intervalos de segunda y de tercera.

Los maoríes de Nueva Zelanda son polinesios, como la mayoría de habitantes de las islas del Pacífico, y los bailes y canciones tienen un carácter más enérgico y emotivo. La población autóctona de Australia tiene dos formas musicales identificadas, la “sharada” que es una canción amorosa interpretada de manera antifonal por grupos de cantantes masculinos y femeninos y el “korobori”, un ritual en forma de danza, interpretado por la tribu de cuando los adolescentes se hacen hombres. La gran variedad de actividades humanas que se producen en Nueva Zelanda, casi siempre son acompañadas de música. Los instrumentos típicos son:

  • el gong de madera,
  • las trompetas, fabricadas de conchas de caracolas o madera. También se utilizan para poder enviar señales a distancia.
  • las flautas primitivas, algunas hechas con un diente de ballena o tiburón.

Los maoríes tienen una técnica especial para tocar la flauta primitiva: soplan con la nariz, lo que tiene un significado más respetuoso en sus prácticas del ritual.

Sabías que..

Los colonizadores blancos del siglo XVIII, la mayoría de ellos británicos, trajeron su propia música y canciones populares a Australia y las islas vecinas, que se usó como como fundamento de la cultura musical actual del continente.

LEJANO ORIENTE

Hacia el año 1297, momento cuando el viajero Marco Polo regresó de China, los europeos se negaban a creer en la sólida existencia de una singular civilización, tan antigua, como las pirámides de Egipto. En el siglo XVI, las creencias empezaron a convertirse en realidad, cuando se hallaron las rutas marítimas hacia el Lejano Oriente, fueron conscientes de la existencia de la cultura china. Más tarde, los historiadores y musicólogos descubrieron una colección de canciones rituales conocido como “Li Chi” y la antología poética Shih Ching, que contenían aproximadamente 300 canciones, databan una historia de 1100 cien años antes de nuestra era. Incluso antes a Platón y Aristóteles, uno de los filósofos chinos destacados, Lao-Tse y Confucio le habían dado mucha importancia al valor de la música, observando en ella como un medio para llegar a la perfección moral. En un nivel metafísico, los filósofos chinos mantuvieron la idea mística de que la música es una de las partes inseparables del universo, del ritmo de la naturaleza que nos rodea, y por ello se la debía tener en cuenta como un balance entre el cielo y la tierra y entre el -Yin femenino y el -Yang masculino.

La razón del significado metafísico y místico que se le ha atribuido a los instrumentos musicales estaba íntimamente relacionada al material del que estaban hechos, la atmósfera de las diferentes estaciones y fenómenos naturales como es el fuego, agua, trueno y la tierra. Por ejemplo, las cuerdas de seda del “ch'in”, tenían por símbolo el espíritu del verano y el fuego, y en cambio, la flauta de Pan encarnaba la primavera y el aire puro de la montaña.

La conexión orgánica existente que hay entre la música china y su lenguaje hablado, había determinado las prioridades de tradición musical dentro del país, donde la melodía y el sonido del instrumento ocupaban un lugar más importante que el ritmo y la armonía.

Las espléndidas relaciones entre Corea y China y el budismo, determinaron una gran influencia en su cultura, especialmente en su música y sus instrumentos musicales:

  • cítaras, (instrumento de cuerda con similitud a una arpa, pero más reducida en su tamaño y posicionada horizontalmente para ser tocada).
  • flautas,
  • instrumentos de viento-madera,
  • gongs
  • y tambores de varios tipos.

También la música coreana, influyó de forma significativa en la japonesa. Desde tiempos lejanos, varios músicos coreanos han sido invitados a Japón en rol de profesores y organizadores de ceremonias musicales reales y religiosas. La música de Japón encarna un caso particular en la civilización del Lejano Oriente. Por una lado, su ubicación geográfica, la nación insular sostenía contactos regulares con China, Corea y Manchuria, hecho que sometía a Japón a una gran influencia cultural.

Por otro lado, Japón estaba tan lejos de Asia continental y de su ruta de la seda, que pudo protegerse y resistirse más fácilmente a las influencias lingüísticas y de otras índoles de sus vecinos.

Igual que en China, el teatro musical japonés tuvo antiguas y muy arraigadas tradiciones. El teatro “Nő”, el cual combinó el canto y la narración, fue el modo teatral más sofisticado de Asia Oriental. El teatro “Kabuki”, donde cada sílaba tiene su significado único,

“ka” - “canción”,  “bu” - “danza”,  “ki” - “habilidad”,  

Nació hacia el siglo XVI y se escaló hasta convertirse en la forma teatral más popular. Su símil en europa, era circo, pantomima o una amalgama de ópera. El teatro Kabuki usaba grupos instrumentales ubicados en la escena y fuera de ella. Las danzas se acompañaban con instrumentos musicales como tambores y flautas, o por el “shamisen” (un instrumento de cuerda musical japonés) y la voz. Los tambores, gongs, campanas y varillas de madera avisaban e informaban del inicio del espectáculo y nuevas escenas.

Sin embargo, las raíces de la música de indonesia se sitúan entre los siglos IV y VI, no obstante, su primer contacto con los europeos no se materializó hasta el siglo XVI. En comparación a las demás culturas musicales del Lejano Oriente, la cultura musical de Indonesia es la que más tiene un íntimo contacto con la danza y el teatro de máscaras y sombras, y se basa en una escala pentatónica, que evolucionó más adelante en una escala de siete notas. La música de Indonesia, a pesar de ser rica en danzas e instrumentos musicales diferentes, la melodía es la que adquiere el papel más alto en la cultura, como protagonista de la misma y el material melódico y rítmico que fue desarrollado se conoce como “tallo y flores”.

INDIA

Los orígenes de las tradiciones musicales de la India se remontan hasta el tercer milenio antes de nuestra era, y por lo tanto son de las más antiguas del mundo. En la India se cree que los instrumentos musicales tienen un origen divino, y de acuerdo con los esquemas de clasificación europeos, sólo pueden ordenarse de una forma aproximada. La música clásica hindú cuenta con unos quinientos instrumentos relacionados con la filosofía, la religión y la mitología del país.

El primer sistema de notación musical se desarrolló en la India, donde también por primera vez se hizo uso de diferentes sílabas para indicar los grados de la escala: sa, ri, ga, ma, pa, dha y ni, que corresponden con la escala descendiente occidental fa, mi, re, do, si, la, sol. Se conservan numerosos textos musicales escritos en hojas de palma pertenecientes a himnos y música religiosa.

Entre los siglos XII y XVI se desarrollaron dos estilos musicales separados: el “karnatak”, en el sur de la India, y la música indostaní en el norte del país y en el territorio de que hoy constituye Pakistán. Esta última estuvo muy influida por la música persa y absorbió muchos de sus elementos, un hecho inevitable, ya que la música indostaní se desarrolló principalmente en las cortes de los príncipes, quienes en su gran mayoría provenían de Persia y eran musulmanes. La música “karnatak” siguió su propio camino en los templos y evolucionó.

En muchas provincias de la India surgieron distintos estilos vocales como los himnos religiosos, las canciones rurales, canciones de bienvenida, danzas (Bengala) y canciones de pescadores y marineros. Cada tipo tenía su denominación y sus características propias.

El hecho de que durante el siglo XVIII la India estuviera bajo control británico no influyó demasiado en los centros de desarrollo y composición musical del norte del país, es decir, en los círculos aristocráticos. Sin embargo, con la declaración de la independencia de la India, el mecenazgo de las artes ejercido por la aristocracia perdió importancia y, al igual que en Europa durante los siglos XVIII y XIX, se creó una música dirigida a un sector más amplio de la población.

La música hindú se caracteriza por fusionar la danza, la canción y el acompañamiento instrumental. Cada estilo de danza posee su forma característica de acompañamiento, tocado a su vez por distintos tipos de orquesta. Esta cercanía entre la música y la danza es la responsable de la riqueza y complejidad de los patrones rítmicos. Pueden haber 3, 4, 5, 6, 7 e incluso hasta 24 acentos por compás. El ritmo suele ser doble, con un sofisticado patrón expuesto sobre un fondo de pulsaciones constantes. Los cambios abruptos de ritmo sólo se dan en la música religiosa.

La música hindú se basa en la voz humana y es monofónica. Existen escalas de 5, 6 y 7 notas, y las más típicas son las escalas en segundas. Las escalas determinan, no sólo el tamaño de los intervalos, sino también el carácter de la ornamentación, las técnicas de interpretación y el “estado de ánimo” de una obra determinada, lo que se conoce como raga. La extensión de la música hindú no sobrepasa las cuatro octavas. Los instrumentistas imitan el estilo vocal y las canciones actúan como marco para la improvisación, que tiene un importante papel en la tradición musical hindú y ha conquistado a Occidente durante la segunda mitad del siglo XX. Otra característica de la música hindú es su rica ornamentación. La melodía en ocasiones se entona de forma microtonal, y se canta con suma delicadeza y cuidado.

ORIENTE PRÓXIMO

El Oriente Próximo es una verdadera mezcla de culturas. Las culturas antiguas perdidas de Asiria-Babilonia, Fenicia y Palestina recibieron una gran herencia musical muy rica, como por ejemplo numerosos instrumentos de cuerda, percusión y viento, como sistros, arpas y liras de origen la civilización sumeria, shofars (instrumento de viento de origen judío), triángulos de metal y flautas de tubos múltiples de origen hebreo. En la Biblia se manifiesta la orquesta del rey babilónico Nabucodonosor y del fenomenal talento del rey David como intérprete del arpa y compositor de salmos.

Después, la música árabe fue la influencia más dominante. Los orígenes se remontan a la tribus nómadas de los beduinos del siglo II a.C. Sus cantantes y poetas dejaron una tradición muy rica en ritos, canciones, danzas y varios rituales de magia. El estilo de canto “huda” eran entonaciones y compases que trazaban el ritmo de las caravanas, al igual que los cánticos funerales “buka”. El texto y la música estaban muy relacionados, los ritmos eran fáciles y el rango de extensión de sus melodías no superaba una cuarta, sin embargo las escalas eran microtonales, en comparación de las escalas tradicionales de la música occidental.

El sonido nasal fue otra las características principales de la música árabe. Los instrumentos tradicionales utilizados para acompañar el estilo de canto tradicional incluían la pandereta duff, el tambor de armazón girbal, la flauta nay, el qussaba (un oboe primitivo) y el mizmar (instrumento de viento de lengüeta simple o doble).

La “edad alcista” de la música arábiga empezó en el transcurso del primer siglo de reinado de los abasidas. La capital se trasladó de Bagdad a Damasco, cosa que facilitó el acercamiento de las culturas árabe y persa. Los árabes adoptaron el sistema persa de notación musical, gracias a este hecho se desarrolló la escala de diecisiete notas y se creó el primer cancionero.

El lugar central donde nació la tradición musical islámica fue en la mezquita. El muecín, figura que encargaba de llamar a los fieles a la oración desde lo alto minarete, sin duda era el vocalista más experimentado en la práctica religiosa. Los demás creyentes también podían participar en los cantos: se dividían en pequeños grupos e interpretaban notables improvisaciones vocales. En los cantos predominaban la entonación y ritmo libres, basados en la salmodia (canto monótono eclesiástico).

La influencia del Islam fue más allá de la música sacra. En el camino hacia la ciudad sagrada La Meca, en su camino, los peregrinos interpretaban la música, mientras que los derviches o también conocidos como “tariqas”, ejecutaban danzas girando a gran velocidad sobre su propio eje, con el objetivo de alcanzar un trance místico al son de flautas, violines y tambor.

A finales del siglo X, el arte arábigo también floreció en España, más concretamente en Andalucía. Gracias a la influencia árabe, se desarrollaron formas musicales nuevas y así se utilizaron instrumentos moriscos, donde los más destacados fueron el rebab (instrumento de cuerda) y el surna (instrumento de viento). El baile y el cante flamencos fue una evolución de los bailes arábigos que los gitanos andaluces adoptaron y perfeccionaron.

Durante la Edad Media, en el arte de los trovadores y troveros del sur de Francia, la música árabe tuvo una gran influencia. El acompañamiento del canto con instrumentos musicales y el hecho de alternar frases vocales, tienen como origen en la música árabe.

Actualmente existen innumerables estudios dedicados al proceso de transmisión de los instrumentos y estilos musicales árabes que pasaron a Europa a través de España pero, desgraciadamente, la influencia de los cruzados y sus expediciones a Tierra Santa es mucho menos reconocida, no por ello se debe menospreciar ya que tiene un peso importante en la historia de la música.

Los cruzados, al regresar a sus países, se llevaron muchos instrumentos árabes, así como las prácticas y sus estilos musicales, integrándolos en su propia cultura. Hacia finales de la Edad Media, aparecieron nuevos instrumentos como resultado de la evolución de los instrumentos árabes como el rebec, las panderetas y tambores, el laúd, la cítara y el dulcimer, también nacieron nuevos instrumentos de viento-madera o la trompeta larga y delgada.

Los cruzados también adoptaron la práctica de la marcha al sonido de percusión y los cañones turcos, creando un punto de unión de la música y las bandas militares.

EUROPA

Explicaremos la historia de la música desde la Edad media, donde podemos observar la aparición de diferentes tipos de instrumentos musicales aerófonos, fabricados de madera comúnmente y/o huesos animales. Renacimiento y Barroco, la transición de Barroco y Neoclasicismo así como el Romanticismo. En cada época podemos notar el perfeccionamiento de los instrumentos así como la aparición de nuevos, fabricados de otros materiales, entre los cuales está el metal.

Sabías que..

Los primeros instrumentos musicales europeos tienen más de 25.000 años.

Antigüedad

En esta discusión, la palabra “antigüedad” se utiliza para clasificar las antiguas culturas de Grecia y Roma, en las que se encuentran las bases de la moderna cultura europea. Se dice que la introducción a una oda de Píndaro (uno de los más célebres poetas líricos de la Grecia clásica), datada en el siglo V a.C. y publicada en 1650, es la pieza musical más lejana en tiempo y conservada en forma de notación musical.

La antigua civilización griega se clasifica en cinco períodos principales:

  1. Cretense-micénico,
  2. Homérico,
  3. De transición,
  4. Clásico,
  5. Helenístico.

En el transcurso del tercer período, situado entre los siglos VIII y V a.C., se desarrollaron nuevas tradiciones musicales en la Esparta e isla de Lesbos. El nuevo arte de la kitharodia (una ejecución vocal acompañada de una cítara) fue introducido por la escuela lésbica de interpretación de la cítara, que después se utilizó de modelo para la aulodia (canto acompañado por un aulos). El canto coral y la lírica aparecieron gracias a la oda ceremonial. A mediados del período clásico, el drama otorgó una mayor importancia al desarrollo de tradiciones musicales, por ejemplo, como la interpretación de los ditirambos (son himnos en honor al dios Dioniso) interpretados por un coro y un solista.

Aunque la música vocal tuvo mayor predominio durante toda la antigüedad griega, los instrumentos musicales también tuvieron una importante representación. Las ya mencionadas kitharodia y aulodia fueron seguidas por tradiciones como la lyrodia y la aulética. Los griegos perfeccionaron su dominio y utilizaron casi todos los grupos de instrumentos, por ejemplo, entre los de cuerda o cordófonos, la lira y la cítara fueron los más comunes; el grupo de los aerófonos o de viento estaba representado por el syrinx y el aulos. Había una gran variedad de instrumentos de percusión, aunque no se les consideraban con la misma importancia que los de cuerda y viento.

La antigua Roma, el imperio que dominó el mundo durante varios siglos, su música fue inspirada en la antigua Grecia. Al igual que el circo, el teatro, los juegos, los coros y los grupos instrumentales se hicieron muy famosos. A las artes interpretativas se les consideraba de alto valor, especialmente a aquellos que tocaban el aulos (una especie de oboe de un tamaño reducido, fue el instrumento fundamental de la Antigua Grecia).

Instrumentos de cuerda como el arpa, la lira, la cítara, o de viento como la flauta, el syrinx y la tibia, la gaita y el órgano fueron literalmente importados de la antigua Grecia. Cabe destacar que los instrumentos de la familia de viento-metal, evolucionaron mucho durante el Imperio Romano gracias a su alto uso en las campañas militares. Los instrumentos de viento metal romanos son los primeros antepasados de los instrumentos de la familia de viento-metal actual.

MÚSICA FOLCLÓRICA

Gracias a los trovadores y juglares, dieron a conocer a los primeros intérpretes “profesionales” de música folclórica en Europa (los antiguos bardos griegos, los aedos), la importancia de este género tuvo un crecimiento considerable durante la Edad Media.

A partir de ese momento, la música pasó de generación en generación, de persona a persona y de un área geográfica a otra. En el transcurso del tiempo se formaron los diferentes elementos del arte musical, influenciada por una inmensa variedad de instrumentos.

La mayoría de ellos constituyen los primeros prototipos de instrumentos contemporáneos, y otros fueron abandonados de forma paulatina y así terminaron desapareciendo. Más tarde, en especial durante el Romanticismo europeo, la música folclórica agregó algunos de los instrumentos contemporáneos como el violín, el clarinete, la trompeta y el acordeón.

La música folclórica europea es antigua, rica y variada. La actual clasificación científica de los instrumentos aerófonos, idiófonos, membranófonos y cordófonos, nos consiente a seguir la evolución de la música folclórica, las relaciones que hay entre los diferentes grupos instrumentales y las características fundamentales de los distintos estilos musicales en cualquier lugar del continente.

Muchos instrumentos se utilizaban para acompañar en danzas, fiestas, o simplemente como parte de las creencias religiosas. La gran influencia de Oriente transmitida por los árabes en España, los cruzados y la invasión otomana en Europa introdujeron nuevos instrumentos que se adaptaron, modificaron y perfeccionaron. Los instrumentos de viento con lengüeta se encuentran en toda Europa, aunque la gran variedad de flautas es más típica de Europa Oriental. La cítara es el instrumento más utilizado en la región alpina y en Escandinavia, en mismo grado como solista o instrumento acompañante. Los violines y laúdes son utilizados en el Mediterráneo y en Europa Oriental.

Gran parte de los instrumentos folclóricos que han podido conservar su diseño original a través del tiempo, están siendo adaptados en función a la demanda de la música actual, que cada vez más tiende hacia los timbres raros.

También existe otro grupo de instrumentos no clasificable como tal, llamados los instrumentos de juguete o los silbatos de feria, elementos que no faltan en la tradición popular. Su sonido, fuerte y penetrante y su fácil construcción, acercan el arte y el mundo de la música a los niños.

La música folclórica es tan importante, que se puede afirmar con total seguridad que no existe un gran compositor, del cual las obras no hayan sido influenciadas por la música popular y sus elementos. A principios del siglo XX, gracias a la irrupción de las técnicas de composición vanguardistas, el folclore fue utilizado como como una gran fuente de ideas, temas, estructuras rítmicas y soluciones armónicas como herencia de obras musicales actuales, esta tendencia fue evidente en el transcurso del siglo XIX, que fue la época de los movimientos nacionalistas en Europa. Los personajes más virtuosos del período del Romanticismo, rápidamente adaptaron en sus obras muchos elementos folclóricos, expandiendo así su popularización por dentro y fuera de Europa.

Edad Media

Desde el punto de vista de la historia de la música europea, el período medieval cubre cerca de 1000 años (desde el 450 hasta el 1450 de nuestra era). Un evento importante ocurrido en este período, fue la inicio de la notación musical en la música sacra. Antes del siglo XIX, la música sacra y la profana eran transmitidas de forma oral de una generación a la otra. A comienzos de la Edad Media, los sacerdotes y los monjes fueron de los primeros en escribir música y fueron los únicos capaces de leerla. Antes del siglo IX se utilizaron diversos caracteres y neumas, pero desgraciadamente fueron insuficientes para mantener la demanda creciente de la producción profesional. En sus inicios, la música sacra era monofónica, y fue solo el desarrollo del órganum, lo que estimuló activamente el ímpetu necesario para el desarrollo de nuevas tradiciones musicales.

Por supuesto, se siguieron componiendo y ejecutando obras de una sola voz, monofónicas a lo largo de todo el período. Guido d’Arezzo (c. 995 - después de 1050) hizo una contribución fundamental al desarrollo de la notación musical, dando solución a un problema teórico y práctico que había preocupado a los músicos durante muchos años. Inventó el sistema de notación por medio de un pentagrama, que a día de hoy se usa de forma menos activa. También, creó el solfeo de grupos de 6 notas, el hexacorde diatónico do - la, usando la primera sílaba de los 6 primeros versos de un himno religioso para llegar a la serie ut, re, mi, fa, sol, la. (la sílaba "ut" fue posteriormente reemplazada por "do").

Durante los siglos XII y XIII la catedral de Notre dame de París, se convirtió en un importante centro musical recibiendo importantes artistas de la época. Fue allí donde el arte del organum alcanzó su máximo esplendor. Este período se conoce con el nombre de "Ars Antiqua", como antónimo del "Ars Nova" del siglo XIV. Las dos figuras principales del "Ars Nova" fueron creadas por Philippe de Vitry (1291 - 1361), un compositor y teórico francés, y Guillaume de Machaut (h. 1300 - 1377), compositor, poeta y canónigo de Reims.

Sabías que..

Aerófonos en la Europa medieval.
En la Europa medieval, los instrumentos de viento de lengüeta y tubo simple fueron muy populares. A causa de su parecido tenían nombres similares en los diferentes países. uno de estos instrumentos fue el “Chalumeau” francés, experimentó una notable evolución, sobre todo en su sección superior.

Flauta medieval con vejiga animal

La flauta medieval fabricada con la vejiga de un animal. Consiste en un tubo recto o a veces curvado con varios agujeros para los dedos y una vejiga de animal que actúa como una reserva de aire.

2 flautas con boquillas

2 flautas con boquilla que se interpretan junto a un pequeño tambor provenzal.

Trompeta medieval europea

Trompeta medieval europea del siglo XI, hecho de tubo estrecho y de origen sarraceno.

Olinfante

1- Olinfante, siglo XIV

2- El así llamado "Olinfante de Rolando", que perteneció al sobrino de Carlomagno, siglos IX - X

3- Olinfante hecho de un cuerno animal, Hungría

El olinfante es una trompa medieval, que tenía forma de colmillo de elefante, de ahí viene su nombre. Alrededor de 80 instrumentos musicales medievales que han sobrevivido y llegado a nuestra época, están fabricados de marfil, siendo el 75% el resultado del trabajo de los fabricantes árabes del sur de Italia. Los elefantes suelen estar muy bien decorados, y el instrumento se menciona en la Chanson de Roland.

Renacimiento y Barroco

El Renacimiento se refiere al período que abarca entre los años 1450 y 1600 en la historia de la música europea, e incluye las obras de las escuelas borgoñana y flamenca, así como las de compositores italianos, españoles e ingleses.

Existen diferentes opiniones acerca de cuándo comenzó y finalizó esta etapa artística, relacionadas con la influencia de la escuela borgoñona y con la duración algo más larga del Renacimiento en Inglaterra. El período renacentista coincidió con el florecimiento de la pintura, la escultura y la arquitectura en Italia, aunque durante el Renacimiento temprano los compositores más importantes fueron originarios del norte de Francia y de Flandes, un área que se extendía sobre un territorio que hoy ocupan Francia, Bélgica, Luxemburgo y los Países Bajos. Con el posterior auge de la educación secular, Italia se convirtió en un destacado centro de innovaciones musicales.

La Reforma, impulsada en Alemania por Martín Lutero (1483 - 1546), no solo representó el fundamento sobre el que se erigió la Religión protestante, si no que también reformó el uso de la música dentro de la Iglesia, que fue testimonio del canto coral protestante a partir del canto gregoriano.

La evolución de la música durante el Renacentismo es casi paralela al desarrollo de la polifonía. Numerosas publicaciones de madrigales de la época indican que se debe interpretar con “voces o violas”. La música instrumental se componía para grupos fijos y también para instrumentos individuales. Eran comunes las transcripciones instrumentales de las canciones de moda, por lo general para laúd o el virginal. Los instrumentos principales de este período en cuanto a los instrumentos de viento como la chirimía, el orlo o krummhorn, la corneta y las flautas sopladas por un extremo.

El laúd se convirtió en el instrumento favorito para el hogar, y su vasto repertorio de muestra la estrecha relación existente entre la música instrumental, la canción y el baile.

Aunque de modo poco explícito en sus inicios, el barroco (1600 - 1750) se caracterizó por un cambio en los gustos y preferencias del renacentismo. Comenzaba una época de espectacular creación musical y de perfección instrumental. El arte de los luthiers alcanzó su apogeo en las obras de fabricantes como Gasparo de Saló y las familias Amati, Guarnieri y Stradivari.

Barroco y Neoclasicismo

Observando desde el punto de vista de la historia de la música, el periodo barroco abarca aproximadamente el periodo de los años 1600 y 1750, dicho de otra forma, desde las primeras óperas de J.S. Bach hasta su muerte. Los musicólogos han utilizado el término “Barroco” desde los principios del siglo XX para describir el momento en el que surgió un elemento fundamental de la composición, <el bajo ininterrumpido>, que con su armonía implícita servía como punto de partida para las voces cantantes. Entre los compositores más destacados del Barroco, se encuentran Monteverdi (quién compuso la primera ópera verdadera), Frescobaldi, Vivaldi, François Couperin, Purcell, y por supuesto no pueden faltar, dos grandes maestros de finales del periodo, Händel y Bach.

Los grupos instrumentales comenzaron a tomar parte en actividad desconcertantes, también como apunte importante, se añadieron nuevos instrumentos del grupo de los aerófonos, como el corno inglés, el fagot y el clarinete.

El periodo del Clasicismo musical, se comprende entre 1770 - 1827 (hasta la muerte de Beethoven), y se describe como la “época clásica”, asociando directamente con el arte antiguo de Grecia y Roma.

El control de las emociones y la claridad estructural son verdaderas características generales del estilo Clásico, representado en algunas obras de Haydn, Mozart y Beethoven, aunque también esta música también puede ofrecer fuertes contrastes dramáticos o carácter humorístico. Los géneros instrumentales Neoclásicos más populares, se caracterizan por la obertura, el divertimiento y las variaciones, así como formas orquestales ligadas a la sonata de cuatro movimientos: el concierto y la sinfonía, géneros que se desarrollaron con mucha rapidez y paralelamente a la orquesta sinfónica, que a su vez se originó a partir de una agrupación instrumental que había sido creada en Mannheim.

En cuanto al ámbito de la música vocal, los estilos de ópera italiana que conquistaron Europa, se mantuvieron en su predominancia, aunque los compositores más destacados del periodo Clásico, desarrollaron nuevas estructuras vocales en sus óperas, oratorios y misas, sacando ventaja del potencial aumentado que los otorgaban la Orquesta Sinfónica clásica y sus instrumentos.

Romanticismo

El período Romántico se comprende entre los años 1820 y 1910, casi todo el siglo XIX. Contrariamente a los términos “Barroco o Clásico”, utilizados por especialistas. La palabra “Romántico” es más conocida, dentro del contexto de los movimientos nacionalistas transcurridos en Europa en paso del siglo XIX. A pesar de haber sido corto, el período romántico se caracteriza por un avance rápido y multifacético, que consiguió reemplazar los movimientos estéticos como el Impresionismo o el Expresionismo, que a su vez fueron abandonados en favor del Neoclasicismo, Serialismo, la Aleatoriedad y los primeros experimentos en música Electrónica.

La rapidez se convirtió en el dictamen estándar de la evolución musical del siglo XX. En el ámbito musical, el Romanticismo se inició con obras de Beethoven y Schubert, y terminó con la obra de compositores como Gustav Mahler y Richard Strauss.

La diferencia principal entre Clasicismo y Romanticismo es el hincapié que éste hace en los sentimientos, las emociones y la imaginación. Dichas características se anteponían a la armonía, las estrictas proporciones y/o al sentido de unidad arraigados por las obras clásicas. También surgieron nuevos géneros musicales de gran popularidad como el drama musical, el poema sinfónico y la pieza para piano de corta duración.

El diatonismo del Clasicismo dió el paso a las armonías cromáticas de Richard Wagner y Richard Strauss. Surgieron escuelas de compositores nacionalistas en varios países como Alemania, Rusia, Polonia, Bohemia entre otros lugares. El siglo XIX favoreció la conjunción de la música instrumental con obras literarias y escénicas, creando así el concepto de “síntesis de las artes”.

También floreció la ópera durante todo el período Romántico: se crearon varios estilos operístico nacionales, rebajando así el dominio italiano, y se desarrolló el estilo “Verismo”.

Hacia finales del período, la música empezó orientarse más hacia el compositor, donde los compositores empezaron a buscar su inspiración en una gran variedad de géneros y estilos creados por el período, en especial de la música folclórica y oriental.

La Orquesta Sinfónica

Las secciones de la orquesta se establecieron el siglo XVIII. La estructura  posterior de la orquesta sinfónica, que fue más compleja, fue el resultado de una larga evolución afectada por la música teatral y la ópera.  

Claudio Monteverdi (1567 - 1643), fue un compositor de la ópera “Orfeo”, el primero en dividir la orquesta en dos secciones elementales, las cuerdas frotadas y los vientos, dando así una nueva dirección al desarrollo.

En cambio los cuatro grupos instrumentales principales de la orquesta moderna no se decidieron hasta finales del siglo XVIII, empezando por las obras de la Escuela de Mannheim y después de forma más sólida en las sinfonías de Haydn y Mozart.

Beethoven hizo una gran contribución al poder dramático y expresivo de la orquesta, también Héctor Berlioz y Richard Wagner en lo referido a los matices de la misma instrumentación.

A finales del siglo XIX, la Escuela Impresionista buscaba la transparencia del sonido orquestal, mientras que en Viena, Richard Strauss continuó con el desarrollo de la estética “Wagneriana”, tratando de obtener el máximo esplendor de una orquesta expandida.

Cuando el intérprete del clavecín dirigía una orquesta, los violines e instrumentos de viento se situaban en el centro y los contrabajos a ambos lados.

Más adelante, la disposición habitual de los instrumentos enfrentaba a los primeros violines con los segundos, en los lados del director. A veces, esta configuración hacía más difícil la sincronización de la interpretación, de modo que los segundos violines fueron trasferidos hacia el lado izquierdo del director al lado de los primeros violines.

Leopold Stokowski (1882 - 1977), el famoso director de la Philadelphia Orchestra, trasladó esta nueva disposición a Estados Unidos, que adquirió el nombre de disposición “americana”.

La orquesta sinfónica tradicional se compone de cuatro familias principales de instrumentos:

  • cuerdas - violines, violas, violonchelos y contrabajos.
  • viento-madera - flautas, clarinetes, oboes, fagots y saxofones.
  • viento-metal - trompetas, trombones, trompas y tubas.
  • percusión - timbales, tambor bajo, caja, platillos y otros.

El piano, no es un instrumento que destaca como solista sino también, como miembro de la orquesta, especialmente en el repertorio del siglo XX. El característico timbre del arpa, un instrumento muy utilizado por el compositor Chaikovsky y por otros compositores impresionistas. Con el paso del tiempo, también se ha convertido en un sonido familiar dentro de la moderna orquesta sinfónica.

Familias de los Instrumentos

Los instrumentos de viento se pueden categorizar por el material con el que están fabricados, de madera o metal: